AQUÍ ES DONDE LOS VAMOS A DETENER. VANTROI

Vantroi

¡Aquí es donde los vamos a detener!

Bam Bam records

2013

Es la rabia saber, que te han utilizado por tu miedo,

Me cuesta entender que de un solo suspiro te haces viejo,

Tu mayor soledad es estar mal acompañado.

“Pasar de la ley”. Vantroi.

Por Javier Hernández “El Abuelo”

Twitter @abuelo_1176

El nombre de la banda hace referencia al guerrillero vietnamita Nguyen Van Troy y refleja perfectamente la naturaleza del grupo que lleva más de veinte años en la escena musical. Al parecer el alma del guerrero reencarnó en Gerardo Osmany González Pulido cuyo espiritu punk lo hace seguir dando conciertos y grabando discos, manteniendo al grupo unido a pesar de sus altibajos y cambios de alineación; y que nos deleita con su octavo trabajo discográfico.

Bajo la producción de Fernando Medina del grupo Reincidentes, esta grabación nos muestra que el tiempo no pasa en balde, pues la banda suena muy madura y en estas diez canciones nuevas toca diversos temas que van desde el coraje, rabia y furia hasta las complejas relaciones humanas –amor, desamor, familia y amistad–.

Hard rock, punk, hardcore y skacore son algunos de los géneros musicales que utilizan para darle vida a canciones directas, contundentes y aguerridas. También cuenta con la colaboración de varios invitados como: Paco del grupo Especimen, Olympia González de Hub Yax, Lalo Tex de Tex Tex, Itzel de la Madrid, Yanina y Guillermo Mantuano, Marcos Ortega y el mismo Fernando Medina.

En estos tiempos en los que el rock anda muy light y deslactosado, en que la escena indie domina la radio y los festivales, y en los que si se busca una alternativa a lo impuesto por el mainstream es muy difícil de encontrar esta banda es una extraordinaria opción para quienes que no encajan con las moditas y lo establecido.

Vantroi es una de las bandas que hay que seguir, ya que si algo han conservado desde el inicio de su carrera es la honestidad. Disco ideal para conocer a esta agrupación.

VALEDORES JUVENILES

El Haragán y cía

Valedores juveniles

 Discos y cintas Denver

1990

En la música tienes que decir algo que sea real lo más rápido posible.

Ésa es la idea, que sea muy básico.

“Empezar de cero”. Jimi Hendrix.

                                                                                                                                     

Por Javier Hernández “El Abuelo”

Twitter @abuelo_1176

Luis Álvarez (1967) nació en la Ciudad de México y es cantautor desde los diez años. Creció escuchando a The Beatles, Creedence Clearwater Revival y The Doors; también a José Alfredo Jiménez, la Sonora Matancera y Agustín Lara; pero fue cuando escuchó a por primera vez a Elvis Presley que realmente decidió hacerse músico.

En 1989, después de presentarse en muchos festivales, Discos y Cintas Denver le ofrecen grabar un disco, a pesar de no contar con banda propia; sólo lo acompañaba el bajista Jaime Rodríguez. Octavio Aguilera, productor de la disquera, le propuso a los hermanos Jaime y Juan Mejía, entonces miembros de la agrupación Yey, para hacerse cargo de batería y guitarra respectivamente; y como músicos invitados a Rodrigo Levario, Octavio “Sopas” Espinoza y Carlos Valerio “El bolillo”.

El disco Valedores Juveniles, o el “disco rojo”, como se le conoce comúnmente, se grabó en un solo día; 24 horas bastaron para crear uno de los mejores álbumes del rock mexicano, al mismo nivel de El circo de La maldita vecindad o Re de Café Tacvba.

Compuesto por diez canciones que, en 32.45 minutos, reflejan lo que se vive diariamente en barrios, vecindades y pueblos de nuestro país:

Hay un perro ahí tirado en la calle en avanzado estado de descomposición y la gente pasa y lo mira y nadie dice nada, nadie se le acerca, nadie se lo lleva, ¿Qué va a ser del dios? “¿Qué va a ser del dios?”

Desenfundó su puñal y se dispuso a robar una gran tienda de abastos popular, solo tenía diecisiete años, bien vividos, mal vividos ¿Qué se yo? “Él no lo mato”.

Rolas que ya trascendieron el tiempo y continúan vigentes.

Son muchos los géneros que El Haragán utiliza: blues, rock, punk, heavy metal, rhythm & blues, y un sinfín de matices característicos de la cultura chilanga.

“Mi muñequita sintética”, “No estoy muerto”, “Él no lo mató” y “Chamuco” son canciones que ya están arraigadas en el inconsciente colectivo y no faltan en sus conciertos; ya se las apropio la “banda”; tanto, que el famoso periodista musical “Chava Rock” escribió para la extinta revista de música alternativa R&R en su especial de rock mexicano: En Estados Unidos, en los 90, se hizo una gira con Los Rabanes, Aterciopelados y El Gran Silencio, estos dos últimos alternaban sus cierres; la cuarta banda invitada era El Haragán y Cía., con sorpresa vieron que cuando El Haragán abría, al terminar su actuación la gente se iba, así que los grupos prefirieron que éstos cerraran.  

Estas grabaciones lo han colocado como uno de los cantautores más queridos de México, ya que, con temas sencillos llega al alma de mucha gente. Sin necesidad de recurrir a la tele ni al radio, se ha convertido en uno de los grandes del rock nacional, pues llena y agota las entradas de cualquier lugar en donde se presenta.

Han pasado treinta años y todo parece indicar que los festejos se vienen en grande; hay que permanecer atentos a sus redes sociales para saber dónde se realizarán. No queda la menor duda de que Luis y su banda atraviesan por su mejor momento; suenan impresionantes y asistir a sus conciertos resulta una experiencia magnifica.

RAÍCES

Luis Álvarez "El Haragán"

Raíces

Intolerancia

2016

Por: Javier Hernández “El Abuelo”

Twitter @abuelo_1176

Es muy difícil que en estos tiempos, en que la industria discográfica ha caído en crisis, por las plataformas digitales ya no se venden discos en físico y los medios de comunicación ya no se enfocan en los grupos alternativos de rock, los artistas intenten experimentar con ritmos, géneros o corrientes musicales que los hagan salir de su zona de confort o no encajen con su estilo. Luis Álvarez el famoso “Haragán”, es uno de esos pocos, y ya dio muestra de que le gusta crear cosas nuevas y sin miedo a enfrentar retos musicales.

A mediados del 2016 presentó Raíces que toma como base el blues tradicional estadounidense y lo hace de la mano de, nada más y nada menos, que Andrew Jr. Boy Jones afamado músico oriundo de Dallas, Texas quien cuenta con gran prestigio en el mundo de este género. Hacía muchos años tenía la inquietud de grabar un disco con estas características, y gracias a un amigo en común con Andrew, Luis le hizo llegar el proyecto y sus canciones, las que, para su sorpresa, gustaron al músico texano, quien dudó en aceptar la propuesta del mexicano.

En pocos ensayos, lograron ensamblar las canciones, que fueron grabadas a la “antigüita”, en carrete y casi todas a la segunda toma. Acompañados por Christole Jones en el bajo, Jamil Byron en la batería y Julie Bonk en los teclados para que Luis y Andrew se hicieron cargo de las guitarras y las voces. Nueve canciones componen este disco, que nos recuerda que el blues sigue siendo la base de toda la música en la actualidad.

El tema de apertura es “Lloré, lloré, lloré” en el que podemos reconocer la línea temática del disco. La interacción de los músicos con la voz del Haragán, es inmejorable; suenan como sí llevaran tocando juntos muchos años.

Le siguen “Es por Elvis” con una pequeña dosis de country; “Cris”, la balada del disco que ya tiene video y se puede encontrar en Youtube; “Blues Belly”, para la que Andrew toma el micrófono y da muestra de por qué el mexicano lo escogió para hacer esta grabación: un blues clásico, potente, y directo.

Continúa con “La niña” a la que le ponen un poco de Funk, y “Extrañando el corazón” que aborda el tema de los inmigrantes indocumentados. “Mi liberación” vuelve a la línea de lo tradicional del género para llegar al gran momento del disco en “Blues del amor perdido”, donde el texano y el mexicano comparten micrófono en un blues clásico donde los teclados Godspell enchinan la piel. Para cerrar con una canción legendaria en la carrera de Luis “El chamuco”, que resulta un grandioso epílogo para hacer de esta grabación una obra sin precedentes.

Sumamente recomendable para los fans y no tan fans, ya que se trata una pieza que se convertirá en uno de los grandes clásicos del blues en nuestro país.

PUERQUILECTRIC. PUERQUERAMA.

Puerquerama.

Puerquilectric.

Intolerancia.

2018.

  

Todos hablan de balance y de equilibrio, de estructura y de velocidad,

pero nadie habla de las cosas reales que suceden aquí en la ciudad.

“A la basura se va”. El Haragán y Cía.

Me subo a la banqueta, lanzo un grito, una mentada a la autoridad.

“Lo hice por el punk”. Belafonte sensacional. 

Por Javier Hernández “El Abuelo”

Twitter @abuelo_1176

Tuvieron que pasar 5 años para que la banda originaria de Toluca se metiera a grabar un nuevo disco de estudio. Puerquerama presentó en noviembre de 2018 su quinta producción discográfica que cuenta con el sello de la casa, ya que maneja bien el contraste entre la voz llena de furia y la guitarra armoniosa, y con el agregado de las letras de las canciones, que son las encargadas de conquistar los oídos debido a la carga excesiva de sarcasmo, humor negro y crítica social.

El álbum arranca con “Alacranes”, que nos da un madrazo de realidad al poner sobre la mesa el tema de la delincuencia organizada, que abordan desde una perspectiva diferente a la que ya tenemos visualizada entre los narco corridos y el noticiario de la televisión. Y sin duda esta canción podría formar parte sin problemas del soundtrack de películas como Scarface o Goodfellas o de la serie Narcos.

“Amando güeros”, oda al racismo, pero no del tipo de la cascada de clasismo y odio que vivimos hace poco ante el paso de las caravanas migrantes que venían desde varios países de Centroamérica, sino del micro-racismo que vivimos todos los días, disfrazado de chiste o broma y que hemos hecho parte de nuestra “normalidad” cotidiana.

“Canción de los rebeldes muertos”, o, como decía Cerati, poder decir adiós es crecer, y esta es una canción de despedida: de una pareja, de la chamba que disfrutabas mucho, de la prepa o de los buenos tiempos, pues por más que quisiéramos extenderlos, todo llega a su fin y hay que aprender a afrontarlo.

“Machitos”, donde critican y le pegan duro a la figura del “macho” representada por los artistas de gran parte de los géneros musicales más populares en nuestro país.

“Moviendo a México” dedicada al talento e inteligencia del ex presidente Peña; “Presidente Masaryk” una burla a las clases privilegiadas, a la “gente bien” de este país y sus frases típicas empezado con el famosísimo término: “prole”. “Puerquilectric”, tema que da nombre al disco con un discurso cargado de humor negro y una leve dosis de optimismo: Puerquito rocanrolero que andas libre en la pradera, aprende a vivir riendo aunque el mundo sea una mierda.

“Socialismo o barbarie”, en donde nos recuerdan que somos muy superficiales y que deberíamos de bajarle dos rayitas al estrés, ya que gracias al hecho de darle importancia a pendejadas que no la tienen, hemos perdido mucha de nuestra humanidad. Y para terminar “Toluca 6-Realidad 0”, un pequeño homenaje a nuestra ciudad que, a pesar de todo; nunca encontré mejor lugar para vivir.

 Esta banda local ha sido capaz de reinventarse y explorar sonidos sin caer en la repetición, en el lugar común, y sin encasillarse en un solo género, por lo que esperamos ver incluido este nuevo material dentro de las listas de lo mejor de este 2018, que llega a su fin.  

https://open.spotify.com/album/3OBXIC0XyQZoqm966y1w4q?si=rUw197zASPmlg0WxZ7SVMQ

PEDRO SANDOVAL. EL DILER.

Si la cerveza lo permite esta noche nacerá un rocanrol

El Diler. Pedro Sandoval.

 Por Javier Hernández “El Abuelo”.

Twitter @abuelo_11

El cantautor Pedro Sandoval cumplió dos décadas de componer sus canciones, por lo que se ha convertido en referente de la música independiente de la ciudad de Toluca. ¿Cuál es la mejor manera de celebrar 20 años de carrera artística?  Grabas un disco, junto con los amigos que lo han acompañado a lo largo de su carrera.

No ha sido un camino fácil pero a pesar golpes que recibió, él nunca se rajó, por el contrario siempre regreso con más fuerza, para convertirse en algo así  como el “Perro Aguayo” de los cantautores y lo demostró cabalmente, ya que ser músico independiente en estos tiempos es todo un reto. 

“El Diler” es el título del disco que nos presenta para su festejo y en él se nota que no ha sido un camino recorrido en vano, ya que cuenta con canciones de muy buena manufactura. Sus cómplices, viejos conocidos de la ciudad: Pancho Tejeda, Abraham Yacaman, Rafael Figueroa, Maribel Cortés, Luz Cárdenas, Miguel Jaimes, Jesús Eduardo Elías Morales y Humberto Álvarez, quienes lo acompañan haciendo de este material una aventura en la que se toman varios géneros musicales: el blues, rhythm & blues, rock, trova, folk, bolero, ranchero, entre otros; tomando como referencias directas e indirectas a artistas de la talla de:  Javier Solís, Toña la Negra, Chava Flores, Silvio Rodríguez, Robert Johnson, John Fogerty, Bob Dylan, Botellita de Jerez, Rodrigo González y Real de Catorce.

En este disco Pedro no olvida sus orígenes, pero demuestra que ha madurado con mucha dignidad, y a pesar de que todavía tiene el corazón punk/rocker, no intenta hacer lo mismo que hizo en sus inicios. Las canciones humanas como siempre, abarcan temas diversos que van del el amor, desamor, crítica social, la vida y la muerte, el humor negro y el sarcasmo trabajados con su sello distintivo que Sandoval maneja con mucha naturalidad.  

Ya sea en solitario (“Antes de que te vayas”, “Ni ganas tengo “y “Señor de alturas”) o en compañía de alguno de sus invitados (“El Diler”, “Ay cupido”, “Pueblo mágico”, “Niebla” o “La tumba”) el lanzamiento de este disco fue uno de los acontecimiento más importantes del 2014.

Parte del encanto de este álbum consiste en tenerlo en forma física pues sólo así  es posible apreciar el arte que Armando Pineda realizó especialmente para esta obra.

Quizás el disco no rescate de las llamas infernales del reggaetón a tu sobrino Brayan de trece años, pero si es una producción amigable para gente de todas las edades, especialmente para los chavos veinteañeros que no conocen a Pedro Sandoval pero quienes encontrarán una conexión fácil y rápida con sus composiciones.

https://open.spotify.com/album/6F3aT7sQbLQnJzaiSOTrQb?si=ocqHXCKTTJmnub7XocSlxw

HAP-HEP-HIP-HOP DE MIKE DÍAZ

Letras de Reserva

Por Adriano Alarcon

“La historia la hacen quienes dice NO, y el no más grande de la música ha sido el punk” una buena sentencia de Jon Savage. Partiendo de algo tan certero, me atrevo a “reseñar” uno de los mejores platos hechos en México durante el 2018. Mike Díaz un complejo sicario lírico  oriundo de Aguascalientes, bebió del cáliz chamánico que en alguna última cena celebrada con profetas semánticos y de conciencia colectiva, compartió. El hip hop y el punk tienen algo en común, ambos dos géneros son virtuosos desordenes musicales. Renace es el nombre de la nueva placa de Mike Díaz, un respiro en épocas de inmediatez y hueva mental generalizada, son 20 canciones que conforman el material, cada uno de los cortes son un viaje macizo  y feroz de introspección.

No está usted para saberlo, y medio puedo contárselo querido lector, soy aficionado al boxeo, me gusta, disfruto de un buen tiro sobre el cuadrilátero, un encuentro donde se ponen a prueba habilidades, cualidades y causalidades. El box –creo yo- es una forma de contar (leer o escribir) cosas, pero con guantes. Los movimientos y golpes tienen algo de elipsis, de metáfora, cierta rima. Mike Díaz boxea con la palabra, es hábil, tiene técnica, se desplaza, fluye ligero y con estilo refinado. Un “Finito López” del Hip y del Hop.

Desde los 17 años Mike Díaz se ha estado preparando, influenciado por el rap chicano. Se ha convertido en un peso pesado, en una máquina casi perfecta pa’ tirar rimas con precisión aritmética y rigor militar. A cualquiera le podría arrebatar el aliento, poner contra las cuerdas o tirar sobre la lona, en cuestión de segundos. Su flow es un Frankenstein mortífero.

No queda duda, Mike es un alquimista del verso, de la rima, al navegar por cada una de las rolas se dinamitan ciertos miedos y muchos prejuicios. Son tiros certeros, despachados en orden cuántico  para ir triturando de a poco. Cuestiona, confronta, contradice, llena vacíos sonoros y hace fértiles los desiertos musicales. Se dice que un pesimista es un optimista con criterio, y el hidrocálido da cátedra de la cantidad de letras que se desayuna, come y cena para dar rumbo y sentido. Mike Díaz, no es un proxeneta de balneario contando “Hazañas” de inútiles  hampones que aspiran al honor público. No echa mano de filtros y formulas fraudulentas. Todo el nuevo material de Mike es un ritual.

La fuerza de gravedad, desvía, atrae, pone en movimiento y  puede desintegrar, y al final surge algo nuevo, se puede renacer por ejemplo…

“El mayor placer, lograr lo que la gente comenta que no podrás” (Corona-Mike Díaz) 

PUERQUERAMA. PRESIDENTE MASARYK.

Los puercos estrenaron canción y es motivo de fiesta para la ciudad, por acá algunos comentarios de comunicadores locales:

“La performance caótica de Puerquerama nos arrastra entre la rabia punk y lo burlesque; sus letras, irónicas y políticas, señalan con acidez las injusticias y los absurdos de un país como el nuestro (en este caso la discriminación). Una vez más Puerquerama levanta la voz en una escena musical llena de silencios y evasiones”. Cabina Mutate del 99.7 fm Alonso Guzmán e Ilse Vallejo

“Para los ridículos e inanes aspirantes a la “nobleza” que sangran de la boca si dicen “frijol”, para aquellos trepadores con doble moral funcional, a la que suelen travestir de “causa”. Para la gente bien -absurda- siempre serán prudentes las comillas. CotoRock virtuoso y peligrudo al que hay que entrarle con oídos y memoria”. Adriano Alarcón. Radio Mexiquense.

“Puerquerama son un respiro, una cubeta de agua fría en un ambiente amargo, caliente y denso, como aliento de político. Músicos talentosos, honestos y con mucho sentido del humor, (¡por fin!). Son los cerditos imprescindibles de la escena nacional, que están para decir la verdad y tocar con muchos huevos”. Nxtor Getz. Uniradio.

“El humor negro, ácido y el sarcasmo están impregnados en las entrañas y alma de la banda toluqueña, la forma en la que se expresan y abordan temas en sus canciones no son de la típica banda contestataria que se cuelga del panfleto para después salir en un comercial de Bimbo, es más inteligente porque juegan con el lenguaje, con las situaciones, con la perspectiva de la minoría más incomoda y víctima del hartazgo cotidiano”. Adolfo Martínez. Noticias Traffic.

“Puerquerama, haciendo un uso inmejorable de la sátira, plasma en "Presidente Masaryk" la realidad de los mirreyes; misma que por sí sola es tan pobre que no parece casualidad que la rola dure poco más de 2 minutos y medio. Si la banda quería utilizar una figura detestable de la sociedad, lo logró... Quién diría que la "filosofía mirrey" y el surf se juntarían en una canción”. Omar Perdomo. Foro Cultural Landó.

“No puede faltar la irreverencia, humor ácido, burla e ironía de semejante banda porcina, que tienen ya desde años atrás un merecido lugar en la escena mexiquense y que a título personal es la más grande en todos los ámbitos de este circuito toluqueño, sin menospreciar el trabajo de tantísimas bandas que existen. Pues bien, a casi 2 años de estar esperando Puerquilectric, por fin tenemos noticias, “Presidente Masaryk” es lo más fresco de la banda, pareciera que la letra de esta actual rola la escribieron muchos años atrás, ya que refleja el pensamiento retrógrada y actual de un mexicano quejándose de su patria y de su misma gente por tener algunos “cables cruzados” en el buen sentido de la palabra, como cuando críticas a los que critican o cuando lo haces todo detrás de una computadora quejándote y tirando odio hasta por lo más mínimo, palabras más, palabras menos, ¿porque jodernos entre propios mexicanos?; y que también refleja o deja ver que todos estamos regidos por un mismo sistema el cual no es tan fácil cambiarlo como si fuera un decreto.

Siempre me ha encantado la ironía de los puercos y del mensaje combativo, ellos realmente hablan de temáticas actuales pero musicalizadas, como para que el trago sea menos amargo, y claro, somos gente bien absurda, pero nunca olvidaremos las raíces españolas, espero sean programados en radio alguna vez y digan no a la censura, saludos a la prole!!!”Anlex Nieto. Dtmtoluca.

https://open.spotify.com/track/6eW6m9xgorAxVlKcJmNkO6?si=31L4LQY9SOaM3q10GFqWpw

SERGIO ARAU Y LOS HEAVY MEX. RUDO

Por Javier Hernández El Abuelo

Twitter @abuelo_1176

Nací en medio del camino duro,

Crecí toreando autobuses,

Respiro sucio y del sol no veo sus luces,

Y nunca hablo en futuro,

Soy resistente al ozono y al smog,

El agua que yo bebo tiene plomo,

Y aguanto más que cualquier burro en su lomo,

Y el cemento me ofrece su calor.

Sergio Arau. Flor de asfalto.

Sergio Arau es uno de los referentes de la contracultura en nuestro país, artista multidisciplinario que siempre está del lado de los que protestan, de los que la hacen de pedo, todo lo cuestiona, ya se convirtió en la piedra en el zapato y desde sus múltiples trincheras siempre encuentra motivos para incomodar al sistema. Junto a Francisco Barrios y Armando Vega-Gil, son la santísima trinidad del Rock mexicano, creadores del “Guacarock” y son el referente para la mayoría de las bandas de los ochenta y noventa. Como caricaturista formó parte de los fundadores de los diarios "Uno Más Uno" y "La Jornada" y en el cine dirigió “Un día sin mexicanos” (2004) que hasta nuestros días sigue vigente y “Naco es chido” (2007).

En el 2015 formó “Sergio Arau y los Heavy Mex” con los integrantes de la banda de Heavy Metal Rusty Eye que son mexicanos radicados en Los Angeles California, en cuanto les platicó la idea no dudaron en aceptar ser su banda de soporte y el famoso "Uyuyuy" rápidamente les transmitió la magia del “Guacarock” y poco a poco van agarrando el “timing” y su disco “Rudo” es la mejor prueba de ello ya que cuenta con todos los elementos de este género inventado por la santísima trinidad; humor negro, sarcasmo, albur, sonido del Rock pero con un toque de música popular, crítica social y lo más importante: es muy “naco” qué el mismo Sergio define lo naco como: el peluche que quiere ser mink, el Vochito que quiere ser Roll Royce, esa no aceptación de lo que somos, es lo que nos hace mexicanos.

APPETITE FOR DESTRUCTION. GUNS N’ ROSES

Por Javier Hernández El Abuelo

Twitter @abuelo_1176

21 de julio de 1987 sale a la venta la grabación que significo para Guns N’ Roses convertirse en una de las bandas más importantes de la historia, es el disco debut con más ventas registradas y los pondría en el mapa como la banda más odiada o amada de la historia, no hay término medio o la odias o la amas, igual les llovían críticas que elogios, son doce canciones que contienen mucha furia, y para los estándares de la época en la que el Glam Rock dominada la escena en la radio y en Mtv, hacía falta una banda que le regresara al rock su lado agresivo y furioso. Axl Rose (Vocalista), Slash (Guitarrista), Duff Mckagan (Bajista), Izzy Stradlin (Guitarrista) y Steven Adler (Baterista) fueron los encargados de esta tarea de regresarle al Rock la ñerez de Los Stones, Los Ramones y The Clash, cosa que no les fue nada difícil ya que desde que se formó la banda en 1985, tuvieron todo en contra al grado que dormían en la calle y sus instrumentos los guardaban en autos abandonados pero sabían que eran buenos y que algún día lograrían su cometido.

“Welcome To The Jungle”, “It’ So Easy”, “Nightrain”, “Out Ta Get Me”, “Mr. Brownstone”, “Paradise City”, “My Michelle”, “Think About You”, “Sweet Chid O’ Mine”, “You’Re Crazy”, “Anything Goes” y “Rocket Queen” son las canciones incluidas en está placa y son la mezcla perfecta entre el Punk y el Rock Duro Americano. El primer sencillo fue Welcome y no pasó mucho, fue hasta que lanzaron Sweet como segundo sencillo cuando se convirtió en uno de los videos más pedidos de Mtv y en la radio no dejaban de pedirla, las ventas llegaron al cielo. Fueron invitados al Festival “Monsters Of Rock” en Inglaterra en la edición de 1988 junto a Iron Maiden,Kiss y David Lee Roth que registró una de sus entradas históricas con más de cien mil asistentes, desgraciadamente durante su actuación fallecieron dos personas y la prensa mundial no tardó en llamarlos “La banda más peligrosa del mundo”. Se cumplen 31 años del debut del álbum y ahora aprovechando la “reunión”, en la cual faltan Izzy y Steven, sacaron a la venta varias cajas de aniversario, la más completa cuesta 999 dólares, por si algún fan está interesado en adquirirla, viene con canciones extra que interpretaban en esa época, covers, algunas conocidas y versiones en directo; “Whole Lotta Rosie” de AC/DC, “Jumpin’ Jack Flash” de Rolling Stones, “Nice Boys” de Rose Tatto y “Heartbreak Hotel” de Elvis Presley así como temas propios como; Shadow Of Your Love, Back Off Bitch y dos versiones  de “November Rain”. En plataformas digitales son 51 temas los que incluye la nueva versión de aniversario que para los fans de hueso colorado les va a caer de maravilla.

En lo personal esta banda me abrió la puerta para entrar en nuevos mundos, ya podía regresarle a mi papá los héroes que me presto muchos años atrás; Morrison, Lennon, Harrison, Waters, Richards, Jagger y muchos más que había adoptado como propios, pero en cuanto ví el video de “Paradise City” en casa de un amigo en el año de 1992 o 1993, me volví fan inmediatamente y compraba todo los relacionado con la banda, con el tiempo las cosas cambiaron, la separación de la banda y las actitudes de Axl hicieron que emigrara y buscara otros rumbos pero el “Appetite For Desctruction” siempre será de mis discos favoritos.   

AGUA ARDIENTE. LOS ESPÍRITUS.

Los Espíritus.

Agua ardiente.

2017.

La rueda alimenta a unos pocos, para nosotros no hay,

Más que palizas o entretenimientos, para poder aguantar,

Vamos a trabajar y después a comprar, y hacer la rueda girar y girar.

“La rueda”. Los Espíritus.

Por Javier Hernández “El Abuelo”

Twitter @abuelo_1176

El mundo de la música es actualmente muy aburrido. La radio está plagada de hits muy plásticos, sin alma ni corazón; la música de todos los grupos suena igual; parecería que a las bandas nuevas las produce una computadora porque todo se escucha similar, las letras no cambian, todo es mucha miel, como si los músicos sufrieran de amor.

Este mal no sólo afecta a la música de nuestro país y, como es costumbre, son las bandas independientes las que hacen las propuestas más interesantes,  que arriesgan y gritan con rabia que el mundo está mal y que debemos hacer algo al respecto; son ellas quienes ocupan su arte para decir cosas diferentes.

Corría el año 2010; un grupo de amigos argentinos, cada uno con proyectos distintos, se juntaron para tocar blues. Les gustó tanto el sonido que acababan de crear que se metieron en el estudio y grabaron un disco.

En 2017, ya consolidada la agrupación Los Espíritus lanzaron su tercera producción discográfica de estudio “Agua Ardiente”, conformado por diez canciones en las que abordan distintos temas: la explotación corporativa, el consumismo, el daño causado al medio ambiente, la muerte, pero también de la vida, de sus experiencias de juventud como muchachos del barrio, de su ciudad.

Pese a evidenciar la influencia que tienen en ellos bandas de los años sesenta y setenta como Cream, Led Zeppelin y Jimi Hendrix Experience han logrado pulir un sonido propio, actual y fresco, pues cuentan ya con un sello particular, que a muchas otras bandas les puede costar muchos años para conseguir. Toman el blues como base con el que  entrelazan géneros tan variados como el rock clásico, funk, country, góspel; aderezado con un toque de psicodelia.

Es una excelente opción para la gente en búsqueda de buen rock pues esta banda nos demuestra que este género no sólo no está muerto, está más vivo que nunca y pasa por su mejor momento.

VICTIMS OF LOVE PROPAGANDA. DESCARTES A KANT

Por Javier Hernández El Abuelo

Twitter @abuelo_1176

Descartes A Kant, comienza su historia en 2001 en la ciudad de Guadalajara, uno de los grupos que son de los grandes representantes de la menospreciada, ninguneada y hasta odiada “escena independiente” en nuestro país, en 2017 estrenaron su tercera grabación de estudio con el que nos recuerdan que el disco es una obra de arte en donde cada detalle es muy importante. Desde sus inicios dieron muestra que venía la cosa en serio y que pretendían a dejar huella más allá de las moditas pasajeras o de lo que dictan los cánones del mainstream y lo establecido. Con solo ver el nombre sabes que algo fuerte se avecina. Agrupación conceptual que ocupa elementos teatrales y performance lo cual refuerzan sus presentaciones, en las cuales es una gran ventaja que no estén llenas de villamelones que van a escuchar la baladita famosa, su público sabe a lo que va. Punk, Rock, Noise, Surf pasando por Blues y Jazz son los géneros que en su mayoría ocupan pero no les podemos poner etiqueta ya que las canciones son una licuadora de sonidos y emociones que hacen difícil encasillarlos, lo cual ha llevado a que suenen muy punks para lo indie y muy indie para los punks, cosa que les ha pasado a muchas de las grandes bandas en diferentes épocas y lugares.

Bajo la producción de Steve Albini y grabado en los estudios “Electrical Audio”, son diez canciones que nos llevan a un recorrido por el amor en pareja, en sus diferentes etapas, sin duda es su disco más crudo y directo, donde lo teatral cuadra mejor con lo musical, es una banda con alineación estable desde el 2010 y cada vez más se nota que tienen muy claro lo que quieren proyectar, cosa que pocas bandas en el mundo lo pueden reflejar. Por si todavía existe gente que dice que el rock está muerto, esta agrupación demuestra que quedan muchos caminos por recorrer y no es necesario encontrar el hilo negro, solo hay que buscar un estilo propio y particular cosa que Descartes ya encontró y les queda muy bien.   

DELIRIUM TREMENS PT. I EMISARIO

Por Javier Hernández El Abuelo

Twitter @abuelo_1176

Banda oriunda de la ciudad de Toluca que cumple 10 años y parte de los festejos fue hacer un video de su más reciente larga duración “Reino” canción instrumental con la que abren el disco fue la elegida para realizar esta producción audiovisual. Delirium tremens que es el síndrome de abstinencia del alcohol y la banda le agrega el sonido perfecto guitarras duras y distorsionadas con una batería potente hacen de este video un buen testimonio de la agrupación.

Se dice fácil pero cumplir 10 años no cualquiera puede aguantar tanto tiempo en un proyecto independiente. Fabián, Félix y Roberto tomaron la bandera del Stoner desde sus inicios y no la han soltado por más dificultades que han tenido y no se han dejado seducir por modas pasajeras, ellos disfrutan mucho lo que hacen y suenan cada vez mejor, es una banda que hay que seguir y no por el chantaje sentimentaloide que es muy recurrente de que hay que apoyar a lo local, hay que seguirla porque es buena y punto, a las personas que les gusta el Rock rasposo, denso, crudo y sin contemplaciones van a conectar rápido con la banda, por el momento es el reto de los locales, tratar de llegar a este público, aun así su número de fans cada vez es más nutrido. Esta banda cuenta con algo que muchas bandas van perdiendo sin darse cuenta; corazón, cumplieron 10 años y eso no lo pierden, en una industria tan plástica y llena de mafias se agradece bastante. 

JOHNNY NASTY BOOTS. JOHNNY NASTY BOOTS. 2017

Por Omar Perdomo

Un intro con sonidos de un radio convencional nos da la bienvenida a este disco debut de Johnny Nasty Boots. Hard To Love Me es el primer track en forma que se deja escuchar del material, y es una rola que bien podría hacerse sonar en un playlist con canciones del corte de Queen Of The Stone Age y con algunas otras de cualquier proyecto de Jack White y, quizá, no notaríamos la diferencia.

El tema siguiente es I’m cursed, rola hecha para bailar, que potencia la energía que ya habían dejado los primeros minutos del LP, y comienza a dar muestra de la gran influencia de una vieja escuela que se remonta a los orígenes del rock, y que podremos escuchar a lo largo del material homónimo de la banda. Este camino lo continúa Bultoad Blues, que a diferencia del track anterior, no necesita letra, es una pieza instrumental que podría encajar fácilmente en cualquier buen western de la pantalla grande.

Deadline es una canción que a pesar de ser buena, suena un poco como uno de esos temas que funcionan más para mantener la energía del álbum que para destacar, pero eso sólo al principio… y si hubiera lugar para alguna duda, basta sólo con escucharla en vivo.

Jump and Shout, fue una de esas rolas que el grupo destapo con anticipación, para calentar motores, es buena, pero pareciera que cumplió más un cometido en el sentido de plantar expectativas considerables para después sobrepasarlas con la entrega completa de los temas incluidos en el material.

The Seagull es un breve receso experimental que se encarga de dar un bajón necesario, permitiéndonos dar un respiro y dar espacio para Twenty 5 to 5 después. Ésta última tal vez sea la canción menos fácil de digerir en el disco, pero resulta ser un placer en un show en vivo, guitarras chillantes, figuras bien construidas en la batería y ritmos bien amarrados en la el bajo hacen poner alerta a nuestros oídos.

Con Leaving All Behind, la banda va preparando su despedida, es una muy buena rola y una de las canciones favoritas de la banda, que en opinión personal hablando del orden del disco, tendría que haber estado entre los primeros tracks y no en los últimos. Por su parte We’re Going Down cierra el disco, canción que es buena también pero que quizá es la más diferente del disco.

Pocas buenas maneras hay para empezar a forjar un buen camino en el área musical como hacer un disco valioso, y Johnny Nasty Boots cumple con el cometido. Aquel que quiera “hacer las cosas bien” puede tomar como ejemplo el material de este trío de paisanos.

APOCALIPSIS ZOMBIE.

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Por Javier Hernández “El Abuelo”

Twitter @abuelo_1176

Banda de Montevideo, Uruguay, formada en 1984. Presentan su decimocuarto disco de estudio, que los confirma como una agrupación referente de su país, ya que en sus presentaciones en vivo han logrado llenar estadios.

Cuarteto de Nos es liderada por Roberto Musso, ingeniero de profesión, pero músico y escritor desde lo más profundo de su corazón. Sus letras les han permitido posicionarse entre los primeros lugares de popularidad en toda Sudamérica gracias a los versos lacerantes, directos y sin ningún tipo de complacencia; en los que cuentan historias diversas o recurren el humor, sarcasmo e ironía para criticar al sistema, así como autocrítica, pues todos, de alguna manera, formamos parte de los círculos viciosos que nos impone la vida moderna.

Como es su costumbre, esta producción de los uruguayos presenta aspectos innovadores, dándose la oportunidad de implementar ritmos diversos que van desde sonidos europeos y orientales, hasta elementos de la música electrónica. El disco nos muestra a un Cuarteto que ha llegado a un punto de evolución muy importante, dejando de lado al unidimensional protagonista de las canciones, para basar sus temas en aspectos y situaciones más universales, presentando a una serie de personajes, como el gaucho, el zombie, la bestia, el innombrable, el invisible o Vladimir, que sirven como metáforas del ser humano.

El responsable de esta producción fue el argentino “Cachorro” López, quien cuenta en su haber con 36 premios Grammy como productor y compositor.

El primer sencillo lanzado fue “Gaucho power”, canción inspirada en el partido Uruguay vs Inglaterra de la copa del mundo de futbol 2014, en el que Luis Suárez anotó dos goles, y habla de la famosa “garra charrúa”. El segundo tema en aparecer y que da nombre al disco, “Apocalipsis zombie”, nos recuerda que somos muertos en vida buscando incesantemente el dinero y toda clase de efímeros beneficios materiales que trae consigo la fama.

Las diez canciones que integran el disco confirman a Roberto Musso como el mejor letrista latinoamericano del momento.

RUBYTATES ESTRENA EL VIDEO OFICIAL DE “VINYLES”

Actualmente, Rubytates se encuentra en medio del #TourZafiro, una gira que toma el nombre de su más reciente E.P. de estudio. Conformado por 5 temas, Zafiro fue editado a principios del año. Además de rebasar el millón de reproducciones en plataformas digitales, su sencillo homónimo entró en el Top de las canciones más virales de Spotify México.

Después de lanzar los videos de “Fragilidad”, “Lejos”, “Explosión” y “Zafiro”, el estreno del video oficial de “Vinyles” cierra el ciclo de Zafiro, un álbum grabado, mezclado y producido en estudios Codependiente, en la  Ciudad de México. Con la entrega de este quinto y último sencillo, Rubytates concluye el círculo de un disco que refleja evolución sonora, con letras introspectivas que se funden entre texturas siderales.

Dirigido por Sahir Nourbakhsh, el video de “Vinyles” es una representación de la fragilidad de la vida. Con una interpretación literal del tema, la narrativa del video muestra “el dolor de un joven en estado inconsciente, que flashea entre recuerdos y regresa constantemente a un pasado inexistente ¿o existente?”, comenta Pepe, vocalista de la banda. Grabado y Producido por Feel Collective, en Berlín, Alemania, destacan las actuaciones de Adam Posch y Idun Lindell, quienes interpretan la historia de una amor venido a menos.

Además de cerrar un ciclo, Rubytates se encuentra en la composición y grabación de su nuevo material de estudio, del que próximamente estrenarán un nuevo sencillo. Mientras tanto, Rubytates se presentó el 20 de octubre en el Festival Caravana, en Xalapa, Veracruz, junto a Camilo VII, Odisseo y Siddhartha.

Actualmente la banda está por iniciar su participación en el Ciclo 7 del Circuito Indiojunto a Los Mesoneros en el que visitarán varios lugares de la República Mexicana como Oaxaca, San Luis Potosí, Guadalajara, Querétaro, etc.

LIMONADA ROSA. SEÑOR KINO. 2017

Por Omar Perdomo

Señor Kino es una banda de Hermosillo, Sonora, y tal parece que es ese el rasgo principal por el cual destaca, pues al no haber una escena consolidada en alguna ciudad (como Hermosillo), aunque pueda ser difícil abrirse camino, seguramente el atreverse a generar espacios musicales en un lugar así, te hará merecedor de un título como portavoz de una causa.

Aunque la agrupación ya tenía algunas grabaciones, vienen a presentarse formalmente con Limonada Rosa, un disco con 7 rolas muy particulares. Señorita Hernández, por ejemplo, tiene algo de punk y un poquito de grunge, en el sentido de alternar partes serenas con partes estruendosas; además al mismo tiempo cuenta con una esencia “indie”… hablamos de un punk estilo Wavves e incluso, un poco, de tipo Against Me!

Canciones como Me Siento  y No está, nos dan a entender que Señor Kino es una banda a la que hay que escuchar en vivo para acabar de juzgarla, ya que sería conveniente ver si las dudas que puedan resultar respecto a la calidad del grupo desaparecen, y aún más, si logran superar las buenas expectativas que de ellos se tiene.

Verde Pastel es sinónimo de pasar unas tardes de verano en la playa, filosofía sustancial de la banda, y aunque suena muy bien, sería interesante revisar si con ella nos están contando una anécdota real, una historia ficticia o un anhelo. Cualquiera que sea el caso, es claro que el rasgo surf de Señor Kino es evidente.

Limonada Rosa quizá es el track más “rosa” del disco (valga la redundancia), y sin embargo, una de las mejores. Cuenta con unos sencillos fills de batería que, aunque no aportan mucho musicalmente hablando, le dan versatilidad a la rola, cosa que se agradece en una canción punk.

El único punto que quizá tenga en su contra Señor Kino es que sus letras podrían pecar de poco musicales en el sentido de no tener rimas tan marcadas, pero quién sabe, quizá ese sea su sello... De ahí en fuera el LP nos da muestra del gran potencial de la agrupación, en Mis Lágrimas, por ejemplo, podemos notar un ligero sonido como el que un The Cure haría.

El track que da por finalizado el disco es Recuerdos, depende mucho el gusto de cada quien, pero tal vez es la única rola que pudo haber faltado en el material y su ausencia no hubiera sido muy notoria. Sea como sea, Señor Kino es una banda joven que arrancó fuerte y que deja una elevada posibilidad de un segundo disco, de igual o de mayor nivel.

MOTOR III. MOTOR.2017

Por Omar Perdomo

Después de haber completado el par de álbumes, hace dos años, Motor regresa con su tercera entrega, la cual sigue la línea de “disco homónimo” y se titula Motor III.

Al escuchar el material completo no se puede evitar el pensar en México, pues cada una de las letras tiene una  gran cabida en el contexto actual de la nación, en el que la injusticia para con aquellos menos favorecidos es más que notable, y la apatía de los que podrían hacer algo para ayudarlos tampoco pasa desapercibida.

Esas premisas las podemos hallar en canciones como Una Nación, No Va a Llover en el Infierno o en Respeto por Tu Autoridad, track que ya se podía encontrar en internet desde hace algunos meses y que funciona hasta ahora como sencillo principal del álbum.

Motor III es un disco 50% de denuncia y 50% de “rock duro”, combinación ganadora sin lugar a dudas. Quizá los únicos detalles no tan “buenos” a tener en cuenta es que la segunda mitad del material tiene rolas (como Desierto o Tu Peor Enemigo) que comparadas con la primera parte parecen algo flojas, sin embargo, el álbum cierra muy bien con Mientras la Noche Cae y gracias a otras como Una Nación o Seguimos de Pie, el Motor III se vuelve un disco altamente recomendable.

Motor, como agrupación, cuenta con 2 grandes virtudes, hacer música honesta (por más cliché que suene la expresión) y ser una de esas bandas a las que siempre es necesario regresar sin importar cuantas “novedades” surjan; es un grupo que nos demuestra la grandeza y lo indispensable que es tener como influencia a la vieja escuela del Rock ‘n’ Roll.